- FEDERICO EL GRANDE -

FEDERICO FELLINI


UN CINE CON MAYUSCULAS





Federico Fellini, oriundo de Rimini, nace un 20 de enero de 1920 y fallece en Roma, un 31 de octubre de 1993). Fue un inolvidable director y guionista del cine italiano, con relevancia internacional por su talento, personalidad y estilo propio y defidido.

Su primera película fue Lo Sceicco Bianco ("El jeque blanco")(1951), con Alberto Sordi, escrita por Michelangelo Antonioni y Ennio Flaiano. Durante el rodaje, Fellini conoció al magistral Nino Rota, el músico que lo seguiría por el resto de su carrera.




Además de dirigir películas, también escribió guiones para la radio, películas (principalmente para Rossellini) y secuencias cómicas para actores conocidos como Aldo Fabrizi. Fellini también produjo varios dibujos (principalmente en lápiz sobre papel), a menudo retratos cómicos. Fue con estos trabajos que el joven Fellini conoció el cine: su primer éxito fue como dibujante publicitario para películas.
Avanguardista durante el Fascismo, sus primeras obras fueron para la Alleanza Cinematografica Italiana (ACI), una compañía productora de Vittorio Mussolini, hijo de Benito Mussolini, a través del cual conoció a Roberto Rossellini.




En 1944, tras la caída del Fascismo en una Roma apenas liberada de las tropas armadas, abrió una tienda de retratos y caricaturas, "The Funny Face Shop". El mismo año comenzó su contribución a la película más emblemática del cine italiano de posguerra: Roma Città Aperta ("Roma ciudad abierta"). Fellini también escribió guiones para otros directores reconocidos como Alberto Lattuada, Pietro Germi y Luigi Comencini.

La actriz Giulietta Massina con quien Fellini se había casado en 1943, protagonizó varias de sus películas ( "Almas sin conciencia", "Las Noches de Cabiria", "La Strada", "Giulietta de los espíritus" o "Ginger y Fred").

Otro actor que aparece constantemente en sus filmes es Marcello Mastroianni, quien estudiaba actuación en la misma escuela que Massina, y que fue gran amigo del director. De hecho, Mastroianni aparece en algunas de sus películas más importantes, siempre interpretando el papel principal, entre ellas “La Dolce Vita” y “Ocho y medio”. Fellini trabajó también con actores como Roberto Benigni, Alberto Sordi, Anita Ekberg o Sandra Milo.




Los guionistas con los que siempre trabajó,Bernardo Zapponni, por ejemplo, lograron encontrar el cauce perfecto para que la enorme personalidad de Fellini llegara a asomar a través de sus películas.

Hay tres momentos en la filmografía de este director: Sus inicios, en constante coqueteo con la corriente neorrealista predominante en el cine italiano de los 40 y 50, y en aras de encontrar un estilo propio que le definiera como creador; la etapa de resonancia internacional y conquista de las taquillas de medio mundo "La dolce vita", "Julietta de los espíritus”, "El Satiricón", "Amarcord"; y la época de madurez, marcada por su distanciamiento con la crítica y por su pérdida de rentabilidad masiva de cara al mercado coincidiendo con el final del cine de estructura clásica en los 70.




Sin embargo es, en este momento, cuando Fellini se vuelca en hacer obras más pequeñas y personales, con menor presupuesto pero de envergadura artística, y es en estas obras en las que un buen aficionado a su cine encontrará muchas de las claves que definen al realizador.

Símbolo de un nuevo lenguaje cinematográfico, Federico Fellini sigue deslumbrándonos con sus films llenos de sublimes matáforas y simbologías.

Ricardo A. CARRASQUET

- RATON -

LOS

RATONES









Asombrosos ratones de diseño
Por Guillermo Jaim Etcheverry
Para LA NACION
Caricatura: Alfredo Sabat

Al presentar a los tres ganadores del prestigioso premio que otorga la Fundación Lasker de los EE.UU., el premio Nobel Joseph Goldstein señaló: "A diferencia de la matemática y la física, la biología y la medicina son ciencias empíricas. Al carecer de grandes teorías unificadoras, los avances conceptuales en las ciencias biomédicas dependen de manera crucial de las innovaciones tecnológicas". Entre los numerosos ejemplos mencionó el corazón-pulmón artificial, que inició la era de la cardiocirugía; la angiografía coronaria, de la que surgió el puente aorto-coronario, y la inmunosupresión, que posibilitó el trasplante de órganos.

Los científicos a quienes se refería Goldstein en 2001 son los mismos que acaban de recibir el Premio Nobel en Fisiología o Medicina 2007: el italiano Mario Capecchi, de la Universidad de Utah, EE.UU., y los británicos Martin Evans, de la Universidad de Cardiff, Reino Unido, y Oliver Smithies, de la Universidad de Carolina del Norte, Chapel Hill, EE.UU. Sus estudios, realizados durante la década de 1980 y que culminaron en 1989 con la producción de ratones modificados genéticamente, han representado para la investigación biomédica un progreso de similar importancia a los mencionados más arriba. Se trata de tecnologías que permiten manipular el genoma del ratón -las instrucciones genéticas contenidas en el ácido desoxirribonucleico (ADN) de sus células- de manera altamente selectiva. Esto ha posibilitado crear "ratones de diseño". Muchos de sus genes pueden ser alterados, lo que, a su vez, permite precisar la función de cada uno de esos genes. Se han desarrollado ratones transgénicos cuyas características reproducen las de muchas enfermedades que afectan al ser humano, permitiendo analizar el efecto de diversos tratamientos.

La Asamblea Nobel del Instituto Karolinska ha otorgado el premio por el descubrimiento de "los principios que permiten la introducción de modificaciones específicas en genes de ratones mediante el empleo de células madre embrionarias". Este avance se basa en la combinación de dos poderosas tecnologías que se desarrollaron en la década de 1980. Sir Martin Evans -nacido en Gloucestershire, Reino Unido, en 1941- diseñó una metodología que hizo posible el manejo fuera del organismo de células madre embrionarias, es decir, de células que se renuevan y, en este caso, son capaces de originar un embrión completo. Logró aislar esas células, colocarlas en una placa de cultivo y, luego de combinarlas con células de un embrión normal, implantarlas en un ratón para dar origen a un nuevo individuo. Los cambios generados en el laboratorio podían ser transmitidos a las nuevas generaciones. La obtención de individuos cuyas células tenían genes mutados, en este caso experimentalmente, resultó un paso decisivo.

Marcar los genes supone identificarlos y manipularlos. Hoy resulta factible hacerlo en el ratón hasta un nivel comparable al que se realiza en organismos mucho más sencillos, como bacterias y hongos. Eso se logró porque, de manera independiente, Capecchi y Smithies diseñaron un procedimiento muy original, aunque complejo de describir en pocas palabras, que, en esencia, permite producir el cambio en un gen determinado de los cerca de 35.000 que contiene el ADN de una célula madre embrionaria del ratón.

Capecchi mostró que la "recombinación homóloga", es decir, el intercambio de segmentos de ADN portadores de la información genética necesaria, por ejemplo, para sintetizar una determinada proteína, se podía producir entre el ADN introducido en la célula y el ADN propio de ésta. Los experimentos de Smithies sugirieron que los genes propios de la célula podían ser seleccionados independientemente de la actividad que desarrollaran, es decir que esta recombinación homóloga tenía alcances generales. Este procedimiento de recombinación homóloga de segmentos de ADN, unido al método diseñado por Evans, permitió en 1989 producir, al cabo de la selección genética, ratones "noqueados". Esta denominación surgió de que un gen específico no puede expresarse porque ha sido inactivado, puesto fuera de juego. Es como si en un motor se quitara una pieza y se analizara el efecto que esto tiene en su funcionamiento.

Se inició, así, una nueva era en la investigación biomédica contemporánea. De pronto, fue posible estudiar la función de prácticamente cada uno de los genes. Más de 4000 genes del ratón -"seres humanos de bolsillo", ya que sus genes son idénticos en un 95%- han podido ser "noqueados". Esto permitió crear más de 500 modelos experimentales de enfermedades humanas, tales como afecciones cardiovasculares, neurodegenerativas, diabetes y cáncer. La industria biotecnológica ha basado gran parte de su progreso en este avance. Casi todos los aspectos de la fisiología de los mamíferos pueden ser estudiados mediante las técnicas de identificación de genes.

Hablando sobre él y sus colegas, Smithies -nacido en Halifax, Inglaterra, en 1925 - dijo: "Los inventores de herramientas son personas afortunadas. Ven los problemas, inventan herramientas para resolverlos y disfrutan de las soluciones que, a menudo, descubren nuevos principios no incluidos en la concepción original. Además, disfrutan del placer de ver a otras personas utilizar esas mismas herramientas para resolver problemas muy diferentes".

La historia personal de Mario Capecchi, nacido en Verona, Italia, en 1937, proporcionaría material para una saga apasionante, ya que durante la Segunda Guerra deambuló por calles y orfanatos de su país para llegar a trabajar en los EE.UU. con James Watson, responsable junto con Francis Crick de descifrar la estructura de la molécula del ADN. "Lo que he aprendido -dijo- es que no es posible predecir de dónde surgirán las cosas. Lo importante es darle la oportunidad a cada uno de hacer lo mejor que puede. Sólo así lograremos mirar con esperanza el futuro." Reflexionando sobre sus hallazgos, señaló: "El uso de estas tecnologías permitirá el descubrimiento de los componentes esenciales que subyacen en fenómenos biológicos muy complejos, como las funciones cognitivas superiores. La transformación de la práctica médica que resultará de la traducción clínica de estos conocimientos hará que la medicina del futuro sea irreconocible cuando se la compare con la actual".

Como en todos los grandes logros científicos, habrá un antes y un después de la aparición de los ratones "noqueados". Animalitos que andan por los laboratorios y que, para nada atontados, están revolucionando la ciencia y desempeñan un papel esencial en el conocimiento de muchas enfermedades, así como en la búsqueda de métodos para tratarlas.

El autor es médico, dedicado a la investigación en neurobiología. Fue decano de la Facultad de Medicina y rector de la Universidad de Buenos Aires.

- NUMISMATICA -

La Numismática

En el concepto clásico, la numismática es una ciencia auxiliar de la Arqueología que trata del estudio de las monedas y medallas. Esta ciencia puede dar testimonio inestimable de los intercambios y de la economía de los pueblos, así como de su historia política, geográfica, religiosa, etc.

Pocos monumentos arqueológicos revisten la importancia de los que estudia la numismática ya que en ellos ha grabado el hombre sus ideas dominantes y por lo mismo revelan el carácter, las costumbres y las vicisitudes históricas que tales monumentos nos dejaron. Íntimamente ligadas a la numismática se encuentra la epigrafía, paleografía, simbología, iconología e historia del arte, aportando a todas ellas la numismática nociones esenciales.



La numismática clásica se divide en dos partes muy diferentes por más que frecuentemente vayan unidas en los libros que de ella tratan:la teórica o doctrinal, que estudia los fundamentos de la ciencia, con la nomenclatura, las bases de la clasificación y otras generalidades.
La histórica y descriptiva que desciende al estudio del desenvolvimiento de la moneda en los diferentes pueblos del mundo y clasifica y describe sus distintas emisiones monetarias.

En la acepción moderna del término, la numismática es el estudio científico del dinero en todas sus variadas formas. Aunque a los numismáticos a menudo se los caracteriza como estudiantes de las monedas, la disciplina actual incluye también el estudio de otras formas modernas del dinero y muchos aspectos con él relacionados, incluyendo su uso, historia, geografía, arte, economía, metalurgia, procesos de manufactura, etc.



Entre otras formas modernas del dinero que estudia la numismática estarían el cheque, el papel moneda o billete, la acción y el bono (escripofilia), la tarjeta de crédito y la ficha monetaria (monetiformes).

Aunque en general los estudios económicos e históricos del uso y el desarrollo del dinero están separados del estudio del dinero físico que hace la numismática, existe no obstante relación entre ambos; las teorías del origen del dinero dependen de la numismática, por ejemplo.

Los numismáticos son a veces diferenciados de los coleccionistas en tanto que los últimos básicamente derivan su placer de la simple posesión de objetos monetarios, mientras que la atención de los primeros se centra en la adquisición de conocimientos sobre ellos. De hecho, muchos numismáticos son también coleccionistas y algunos coleccionistas muestran interés por el conocimiento de sus objetos de colección.

- 17 PUNTOS... -

Sin eufemismos


Por Pepe Eliaschev
Diario Perfil




El estancamiento entre la Argentina y Uruguay por el conflicto sobre la fábrica de pasta de celulosa en Fray Bentos fue lo suficientemente lejos como para exigir, impostergable e imprescindiblemente, claridad. Aquí se enumeran temas nodales, sin ambigüedad y con la menor cantidad posible de eufemismos.


1. El gobierno de Tabaré Vázquez ha exhibido clara predisposición a solucionar el conflicto. Aunque niega negociar bajo presión, tolera seguir hablando con la Argentina pese al gravísimo bloqueo de la frontera internacional, sin que la Casa Rosada haya jamás intentado reabrirla, a pesar del hecho manifiestamente ilegal. Ese cambio es fundamental en la posición oriental: conversan con la Argentina, pese a la gruesa irregularidad del límite internacional cancelado unilateralmente, puentes cerrados por piquetes y fuerzas de seguridad obligadas a tolerar, impertérritas, la consumación de un delito.

2. Aunque el presidente Néstor Kirchner haya tenido que desdecirse públicamente, él, realista consumado, sabe perfectamente bien que la Argentina no puede impedir la puesta en marcha del establecimiento de Botnia. Tuvo que rectificarse públicamente por su rústico e imposible sistema de incomunicación con la sociedad, caracterizado por un sistemático ninguneo de los medios.

3. ¿Se le puede pedir a la empresa finlandesa que renuncie a un emprendimiento hecho en el marco de la ley uruguaya y tras una masiva inversión? ¿Qué se le puede cuestionar? ¿Qué debería hacer para colaborar con la solución del conflicto? ¿Demoler, acaso, la planta en la que invirtió centenares de millones de dólares, para así complacer a vecinos de Gualeguaychú que ni siquiera representan a todo Entre Ríos?



4. Fueron los activistas de Gualeguaychú quienes presionaron al gobierno argentino para que recurriera al Tribunal Internacional de Justicia de La Haya, instancia en la que imaginaban revertir el proyecto. Pero, hasta ahora, La Haya sigue sin poder documentar las tremebundas acusaciones de una supuesta contaminación.

5. Congruentes con la Argentina de la segunda mitad de los años 90, los grupos asambleísticos de Gualeguaychú actúan de hecho y desafían normas legales. Se asumen como instancia ejecutiva capaz de manejar las relaciones internacionales de la Argentina. Cortan puentes y rutas, al margen de lo que opinen las autoridades constitucionales de este país. Asumen, así, como las cinco potencias permanentes del Consejo de Seguridad de las Naciones Unidas, un poder de interdicción.

6. La acusación argentina, según la cual el gobierno del pre-sidente Jorge Batlle sería responsable de no haber respetado el tratado del Río Uruguay, podría eventualmente ser atendida por La Haya, pero ello no necesariamente implica que Botnia deba cerrar y/o demoler su planta, como se ilusionan algunos.

7. El presidente Vázquez no sólo admite seguir hablando con la Argentina pese al cierre de la frontera desde este lado, sino que –además– ha venido postergando la autorización para que Botnia comience la producción de pasta de celulosa. Fue un gesto directamente servido en bandeja para que los Kirchner tuvieran una campaña electoral sin sobresaltos.

8. La actitud de los grupos asambleísticos implica una sublevación de hecho, es innegable. Su exigencia es furibunda e intransigente: no piden, exigen; no dialogan, imponen. En esas condiciones, un gobierno que se respete no puede convivir eternamente con tamaño cuestionamiento al poder del Estado, sin perder su propia autoestima política.

9. La metodología del núcleo asambleístico es indefendible. Proceden de forma peligrosa y antidemocrática, con amenazantes “escraches” a quienes no participan del corte de puentes y rutas.



10. La autoridad de Kirchner es sistemáticamente descalificada por grupos de acción directa que lo conminan a que vaya a darles explicaciones, sistema que vulnera no sólo el espíritu y la letra de la Constitución, sino que, como precedente, es un polvorín a punto de estallar. Un presidente amenazado que acepta esa intimidación se convierte en el peor adversario del orden jurídico.

11. Los asambleístas de Gualeguaychú tienen un poderoso atenuante en su favor: son víctimas propiciatorias de una impostura evidente. Fue el mismo Presidente quien asumió esa causa como propia, se la puso al hombro y la consagró como política del Estado. Tienen razones vigorosas para proclamarse engañados, ya que la “causa nacional” de hace dos años es ahora insostenible para la Casa Rosada.

12. Hasta el propio gobierno de Entre Ríos ya no puede seguir ocultando la realidad. Los sondeos más confiables revelan que sólo el 17 por ciento de la población de Gualeguaychú sigue apoyando el corte del puente internacional y nada menos que el 70 por ciento está directamente en contra. En los últimos 12 meses disminuyó de manera contundente el apoyo al bloqueo terrestre del Uruguay y creció manifiestamente el rechazo a este estado de crispación enloquecida, sostenida por sectores ostensiblemente minoritarios. Hace un año, el 80 por ciento de los habitantes de Gualeguaychú apoyaba los cortes. A la abrumadora mayoría del pueblo de Entre Ríos la angustian problemas comunes a todo el país, como el creciente costo de vida.

13. El corte del puente lo sostiene hoy el activismo más recalcitrante, donde, además de impugnar la fábrica de pasta de celulosa, también cuestionan al capitalismo y a la economía de mercado en general. Escindidos de un reclamo razonablemente ecológico, los asambleístas aún en acción sostienen posturas tal vez atendibles, pero de dureza e intransigencia insólitas. Han dicho que la fábrica de Botnia será como los crematorios nazis de Auschwitz.

14. El último disparate de la gente de Gualeguaychú, cortar, ante la pasividad deliberada del Gobierno, la Ruta 14 en un nudo ubicado antes del puente de Gualeguaychú a Fray Bentos, es una duplicación demencial de la apuesta, ya que por esa vía circula gran parte del intercambio comercial entre Argentina y Brasil y el de Brasil con Chile. De este modo, la pasividad de la Casa Rosada implica ulteriores agravios, no a uno, sino a tres países: Uruguay, Chile y Brasil.

15. Lejos de la exasperación militante, la realidad demuestra que progresa un clima práctico entre ambas partes. Uruguay aceptó seguir conversando con su frontera bloqueada y postergó la inauguración de la fábrica de Fray Bentos para aliviar la obsesión electoral de Kirchner. La Argentina, aun sin decirlo, admite un monitoreo conjunto del río con los uruguayos, antes de que la Corte de La Haya se expida, a fines del año que viene.

16. Si bien Kirchner no renuncia formalmente a exigir la relocalización de Botnia, sabe que sólo La Haya puede decidirlo y que, aun en tan improbable eventualidad, restaría un camino extensísimo para lograr que se demuela la planta de Botnia en Fray Bentos.

17. Si algo dramático revela este penoso proceso, es que la Argentina no tuvo una seria política de Estado. Ahora, se impone aplicar la ley fronteras adentro, cuidar el medio ambiente junto a los uruguayos y contener y reducir el daño que (como siempre) la Argentina se hizo a sí misma.

- ANDY WARHOL -

TAL VEZ EL PADRE DEL POP ART


Andy Warhol Andrew Warhola más conocido como Andy Warhol, fue un artista estadounidense nacido el 6 de agosto de 1928 y que falleció el 22 de febrero de 1987. Fue la figura más destacada del movimiento pop art.

Después de una exitosa carrera como ilustrador de revistas y de publicidad, Warhol se hizo famoso en todo el mundo por su trabajo como pintor y cineasta de vanguardia. Como figura pública es recordado por haber estado vinculado a círculos sociales muy diversos, incluso antagónicos, como la bohemia neoyorquina, reconocidos intelectuales, celebridades de Hollywood o ricos aristócratas.

Fue un personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y documentales. No en vano, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

Warhol nació en Pittsburgh, Pennsylvania, hijo de inmigrantes eslovacos. Su padre, Andrej Varchola cambió su nombre por el de Andrew Warhola al llegar a Estados Unidos, al igual que su madre, Ulja Justina Zavacka, quien adoptó el nombre de Julia Warhola. Su padre trabajaba en la construcción y tanto él como su mujer practicaban la fe ortodoxa.



De niño, Andy padecía de escarlatina, una enfermedad que provoca una pigmentación anormal de la piel, así como de el baile de San Vito, afección del sistema nervioso que causa movimientos involuntarios. Probablemente estas dos enfermedades le llevaron a ser hipocondríaco desde muy joven, desarrollando miedo a los hospitales y a los médicos. De pequeño se pasó largas temporadas postrado en la cama, por lo que apenas se relacionaba con sus compañeros de clase, desarrollando un vínculo muy fuerte con su madre.

Sus mayores pasatiempos cuando estaba convaleciente eran pintar, escuchar la radio y coleccionar fotografías de actores y actrices famosos, con las que decoraba su habitación. Más tarde, Warhol reconocería que ese periodo de su enfermedad fue muy importante en el desarrollo de su personalidad y de sus habilidades y preferencias artísticas.

Demostró tener un talento artístico desde muy joven y estudió Arte Comercial en el Carnegie Institute of Technology, ahora conocida como Carnegie Mellon University. Después de graduarse en 1949, se mudó a Nueva York y comenzó una carrera exitosa como ilustrador tanto en revistas como Vogue y Harper's Bazaar, como en publicidad. En 1956 ganó un premio por logros destacados de parte del MoMA, Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York.



Durante los años 60 Warhol comenzaría a pintar cuadros de productos estadounidenses famosos como sus célebres latas de Sopa Campbell de 1962 y los dedicados a botellas de Coca-Cola. También retrataría a personajes populares de la época como Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor,Liza Minnelli, o Troy Donahue.

En 1963 fundaría su famoso estudio The Factory, reuniendo alrededor suyo a un amplia gama de artistas, músicos, escritores y personajes conocidos del underground neoyorquino. Poco más tarde comenzaría a hacer serigrafías en serie, con lo que buscaba no sólo hacer arte que reflejara productos fabricados en serie, si no producir en serie el arte mismo. Con esto, Warhol pretendía actuar como una máquina, minimizando el rol de su propia idea creativa en la producción de su trabajo. Fue así como revolucionó el mundo del arte y su trabajo se hizo tan popular como polémico.

Warhol nunca ocultó su homosexualidad, como se puede comprobar en "Los Diarios de Warhol", donde afirma haber tenido romances con varios hombres. Sin embargo, al comienzo de su carrera, insinúa haber tenido novias, incluyendo una conocida como "Taxi".

En 1965 conoce al grupo de música The Velvet Underground liderado por Lou Reed y en poco tiempo se vuelve manager del grupo, añadiendo a su amiga, la cantante alemana, Nico. En 1967 sale al mercado el disco de los Velvet llamado The Velvet Underground and Nico: Andy Warhol, que fue producido por este último. Ese mismo año, por diferencias con el resto del grupo, Nico se retira y los servicios de Warhol ya no son necesitados.

En 1968, una mujer, Valerie Solanas, que se describía como feminista radical y dramaturga, y a la cual Warhol había prometido publicar su manuscrito, le dispara en el pecho y es herido gravemente. Se requieren más de seis horas de cirugía para salvarle, y los efectos de este evento dejan a Warhol traumatizado por el resto de su vida.



Al año se publica su revista InterView. Desde este año hasta 1972 se dedica a hacer retratos de sus amigos, entre ellos Mick Jagger, Jacqueline Kennedy Onassis, Carolina Herrera, Liza Minnelli y Elizabeth Taylor. También empieza con su famosa serie "Marilyn" sobre la fallecida Marilyn Monroe.

Son famosas sus "cápsulas del tiempo" en donde guardaba (desde el año 1974) cosas cotidianas en cajas de cartón, llegando a crear unas 610.

En 1975 se publica The Philosophy of Andy Warhol, su primer libro. En 1979 exhibe, de manera importante, en el Whitney Museum de Nueva York, su serie de retratos Portraits of the Seventies (Retratos de los Setenta.) En 1981 empieza a pintar detalles de cuadros de artistas renacentistas como Da Vinci, Botticelli y Uccello.

En 1983 hace el retrato del cantante español Miguel Bosé para la portada del disco "Made In Spain" también utitizada para el disco "Milano-Madrid" de este mismo artista, Andy Warhol aparece en el videoclip "Ángeles Caídos" de Miguel Bosé.

En 1986 pinta lo que serán sus últimas obras, autorretratos y retratos de Lenin y Mao Tse Tung. Muere el 22 de febrero de 1987, a los 58 años, de un ataque repentino al corazón, después de una cirugía a la vesícula mal vigilada por los funcionarios del hospital.

Warhol había acumulado tantas pertenencias que tomó nueve días a la casa de subastas Sotheby's rematar su propiedad por un total que excedió €100 millones de euros.

- SER PUMA -

Metáfora del país soñado

Por qué el rugby encarna los ideales que no representa el fútbol de la Argentina real: trabajo, disciplina y solidaridad. El análisis del mayor experto en el deporte.

Todas las sensaciones que están provocando Los Pumas en los argentinos tienen que ver con la esencia misma del rugby. Pero, sobre todo, el equipo capitaneado por Agustín Pichot envía en estos días un mensaje que debería romper con la leyenda –cierta durante mucho tiempo– de que el rugby es un deporte elitista. Que este complicado juego de la ovalada es para cualquier clase social y, seguramente, con eso también se están identificando los miles y miles de primerizos que se plantan frente a los televisores y que festejan con bocinazos las victorias.

Estos Pumas, como los casi 40 mil jugadores que hay en la Argentina (38.096 mayores y 8.894 infantiles), aprendieron el rugby bajo los conceptos del amateurismo. Y lo llevan en la sangre más allá de que hoy la mayoría de ellos lo practique de manera profesional en los equipos europeos. Ese es quizá el éxito más importante, el que los pone hoy en una posición que incomoda a una International Rugby Board (IRB) que piensa más en el negocio que en los orígenes del deporte.



Por eso, Pichot le dedicó el triunfo ante Irlanda "a la esencia del rugby argentino". Por eso dice que "nosotros vivimos el rugby de una manera muy especial". Nos detenemos un instante en él. Es, por lejos, el más marketinero, el que más cerca está de lo que es el universo del profesionalismo, pero jamás olvidó cómo empezó. Siempre recuerda de dónde viene. Por eso, ese Pichot que hoy arenga a Los Pumas es el mismo que lo hacía cuando capitaneaba a la Menores de 19 de su club de toda la vida, el Club Atlético San Isidro (CASI). Muchos habrán visto esa imagen en el programa Estudio, por ESPN, que conduce Alejandro Fantino.

"Están locos", dicen los escoceses, los rivales de los cuartos de final. "Los últimos románticos del rugby", los señala la prensa internacional. Locura para ir en busca del objetivo, romanticismo en los ideales. Eso que tanto atrapa a la enorme mayoría de los argentinos.

Por Jorge Búsico
Periodista especializado en rugby,
autor de “Ser Puma” y del blog periodismo-rugby.com.ar

Revista Noticias

- EL PIANO FOLKLORICO -

Ariel Ramírez









Pianista, concertista, compositor y director, nació en la ciudad de Santa Fé, República Argentina, el 4 de septiembre de 1921.

Recopiló melodías folklóricas en Jujuy y Tucumán y viajo a Europa (1950-1952), donde dió conciertos de música Argentina en universidades de España, Inglaterra, Italia y Alemania.

Al frente de la Compañía de Folklore actuó en diversos países de Europa. Perfeccionó sus estudios musicales con Erwin Leuchter.



En 1964 compuso Misa Criolla, que resultó un éxito mundial sin precedentes y recibió en París el premio Academie Charles Cross.

A partir de ese momento su carrera se hace sumanente intensa y graba gran cantidad de éxitos junto a letristas de la tala de Hamlet Lima Quintana, Armando Tejada Gómez y Félix Luna.

Junto a Jaime Torres y Domingo Cura, recorre los escenarios del mundo entero, con su -nuestra música-.



Algunas composiciones:

Misa Criolla (1964)
Mujeres Argentinas (con Félix Luna, Cantata 1969)
Alfonsina y el mar (con Félix Luna, Zamba, 1969)
La tristecita (con María Elena Espiro, Zamba, 1945)
Navidad Nuestra (con Félix Luna, Villancicos, 1964)
La Peregrinación (con Félix Luna, Huella (baile), 1964)
Los caudillos (con Félix Luna, Cantata Epica, 1965)
Los inundados (con Guiche Aizenberg, Canción del Litoral, 1960)
París, la libertad (con Félix Luna, Canción, 1977)
Agua y sol del Paraná (con Miguel Brascó, Canción del Litoral, 1950)
El nacimiento del charango (1958)
Cantata Sudamericana (con Félix Luna, 1972)
Antiguo dueño de las flechas (Indio Toba) (con Félix Luna, 1972)
15 Estudios para piano (1975)
Tríptico Mocoví (con Guiche Aizenberg, 1980)
Misa por la paz y la justicia (1980)
La hermanita perdida (con Atahualpa Yupanqui, Aire de Milonga, 1980)

Vaya nuestro homenaje en vida a este embajador de nuestra música nativa, que ha llegado y llevado nuestro arte a los rincones más diversos del planeta.

Los que por motivos diversos hemos compartido trabajos y presentaciones no olvidaremos su humildad y sabiduría. ¡Gracias Maestro!

Ricardo A. Carrasquet

- PATRIMONIO -

El valor de preservar lo que es de todos


Con la inminente catalogación de 1100 edificios en el casco histórico porteño, tras lo cual se registrarán otros 100 inmuebles en la city bancaria, el gobierno de la ciudad parece encaminado a apuntalar ante la Unesco la anhelada declaración de Buenos Aires como "paisaje cultural de la humanidad". Los informes del experto del organismo internacional que hace un mes estuvo en la ciudad parecen sintonizar con la pretensión de las autoridades de la ciudad, la que se sustenta en un largo trabajo de concientización ciudadana sobre la preservación del patrimonio cultural e histórico, que comenzó en 2004. Eso en el largo plazo. Pero en el mediano plazo, la catalogación brindará a esos edificios una "amortiguación" que se traduce como protección integral, y les confiere una legislación destinada a la restauración, en buena parte de los casos, y a la prohibición de demolerlos, en otros. Aunque el camino es largo, los pasos se consolidan. En el Ministerio de Cultura, que conduce Silvia Fajre, ven con buenos ojos el compromiso en esa dirección asumido por algunos legisladores porteños, que se han abocado a debatir en el recinto la protección patrimonial. En ese sentido trabajan, entre otros, los legisladores Inés Urdapilleta, María Eugenia Estenssoro y Fernando Caeiro.

La subsecretaria de Patrimonio Cultural, Nanny Arias Incollá, expresó ayer su beneplácito por el compromiso. "Es muy positivo que la Legislatura tome la posta, porque cualquier decisión del Ejecutivo tiene que ser aprobada por los legisladores. Y muchas veces las leyes duermen el sueño eterno y pierden estado legislativo para su tratamiento en el recinto". Le sobra razón a la subsecretaria, pues ése es el camino que recorren infinidad de iniciativas en el Congreso de la Nación.

En la comisión de Cultura de la Legislatura comenzará el debate sobre la protección de los edificios más representativos de la ciudad, sobre la base del inventario y catalogación encarado por el Ministerio de Cultura. Esta iniciativa procura acotar otra propuesta de "emergencia patrimonial" para todos los edificios construidos antes de 1941, impulsada por algunos legisladores, que deja en estado de indefensión legal a los propietarios, pues coloca a los inmuebles en una suerte de limbo jurídico.

La "amortiguación" propuesta por Cultura para los 1100 inmuebles del casco histórico significa proporcionar una protección integral, de modo de frenar cualquier acción directa sobre un área completa. Si bien el casco histórico tiene ya una protección a nivel nacional, lo que se procura -en estos tiempos de vorágine turística- es medir los impactos sobre esa arquitectura "testigo" de una cultura que, como dicen con cierto algunos observadores, es a Buenos Aires lo que la soja es a Santa Fe.

Por Susana Reinoso
La Nación - Opinión

- CULTUR -

CULTURA Y TURISMO

Clave de una industria ciudadana

La Ciudad de Buenos Aires está catalogada como uno de los puntos destacados de atracción turístico-cultural del mundo, básicamente por su historia, su arquitectura, su música: el tango (que día a día se fue posicionando a nivel global) e indudablemente su innumerable y variada oferta cultural.

Ocurre que esto se ha hecho notorio en los últimos años, tras la debacle económica y la globalización, que los operadores turísticos internacionales comenzaran a “ofertar” a nuestra ciudad como atractivo, además de puerta de ingreso a distintos puntos del país. No pasó mucho tiempo y los extranjeros descubrieron una Buenos Aires sumamente interesante y recomendable por sus bellezas, su gente y su cultura.

La cultura lleva implícito todo lo enumerado y mucho más! La gastronomía, la creatividad publicitaria, el diseño, la indumentaria, el espacio público, etc. Además de lo clásico: cine, teatro, música, pintura, escultura, literatura, danza, etc.
Es simplemente el cultivo de su gente, sus raíces y sus costumbres ensambladas y remixadas, las que le dan identidad a nuestro diverso Buenos Aires.

Esta es una oportunidad que NO debemos dejar pasar: lo ha hecho Madrid, desde mucho antes París, Roma, Londres, New York, etc. Es impresionante lo que puede ésta auténtica industria del turismo con enfoque cultural. Tenemos mucho para mostrar y mucha gente interesada en ver nuestro importante patrimonio.

Simplemente debemos crear los mecanismos y políticas de difusión e inversión en éste sector, que es, sin lugar a dudas, una formidable herramienta competitiva, que bien desarrollada podría convertir a Buenos Aires en la vedette del Cono Sur en muy poco tiempo.

Ricardo A. Carrasquet

- AMANECER -

AMANECER


En la honda noche universal
que apenas contradicen los faroles
una racha perdida
ha ofendido las calles taciturnas
como presentimiento tembloroso
del amanecer horrible que ronda
los arrabales desmantelados del mundo.

Curioso de la sombra
y acobardado por la amenaza del alba
reviví la tremenda conjetura
de Schopenhauer y de Berkeley
que declara que el mundo
es una actividad de la mente,
un sueño de las almas,
sin base ni propósito ni volumen.

Y ya que las ideas
no son eternas como el mármol
sino inmortales como un bosque o un río,
la doctrina anterior
asumió otra forma en el alba
y la superstición de esa hora
cuando la luz como una enredadera
va a implicar las paredes de la sombra,
doblegó mi razón
y trazó el capricho siguiente:

Si están ajenas de sustancia las cosas
y si esta numerosa Buenos Aires
no es más que un sueño
que erigen en compartida magia las almas,
hay un instante
en que peligra desaforadamente su ser
y es el instante estremecido del alba,
cuando son pocos los que sueñan el mundo
y sólo algunos trasnochadores conservan,
cenicienta y apenas bosquejada,
la imagen de las calles
que definirán después con los otros.

¡Hora en que el sueño pertinaz de la vida
corre peligro de quebranto,
hora en que le sería fácil a Dios
matar del todo Su obra!
Pero de nuevo el mundo se ha salvado.

La luz discurre inventando sucios colores
y con algún remordimiento
de mi complicidad en el resurgimiento del día
solicito mi casa,
atónita y glacial en la luz blanca,
mientras un pájaro detiene el silencio
y la noche gastada
se ha quedado en los ojos de los ciegos.


Jorge Luis Borges

- RIMSKI KORSAKOV -

Nikolai Rimski-Kórsakov


Nikolái Andréyevich Rimski-Kórsakov -en ruso Николай Андреевич Римский-Корсаков- nace en Tijvin, Nóvgorod, un 18 de marzo de 1844 y fallece en Lyubensk, un 21 de junio de 1908.

Fue un compositor y profesor de música clásica ruso, particularmente conocido por su fina orquestación, la cual pudo haber sido influenciada por su sinestesia. Sus composiciones más famosas son El vuelo del Moscardón y Scheherazada.

Era miembro de una familia aristocrática y de marinos militares. Rimski-Kórsakov demostró su talento artístico desde una edad muy temprana, casi los seis años, pero estudió en el Escuela Naval de Cadetes Imperial Ruso en San Petersburgo y posteriormente se alistó en la Marina Rusa.



En 1861 conoció a Balakirev que comenzó a concentrarse más seriamente en la música. Balákirev lo animó para que compusiera y le enseñaba cuando aquél no estaba en altamar. A través de Balakirev, Rimski-Kórsakov también conoció otros compositores tales como Cesar Cui, Borodín, Músorgsky, de los que más tarde serían conocidos como "Grupo de los Cinco".

Mientras se encontraba en la marina, compuso una sinfonía, la primera compuesta por un ruso. También compuso su bien conocida obra orquestal Sadkó en 1867 y la ópera La Dama de Pskov (Pskovitýanka) en 1872, antes de renunciar a su cargo militar en 1873.

Rimski-Kórsakov y otros miembros del "Grupo de los Cinco" frecuentemente colaboraron o editaron composiciones de otros autores. En particular después de la muerte de Modest Mussorgsky en 1881, Rimski-Kórsakov se tomó el trabajo de revisar muchas obras de Músorgsky para publicarlas y ejecutarlas. Por ejemplo, la obra La noche en el Monte Calvo de Mussorgsky fue arreglada por Rimski-Kórsakov y es la que actualmente se escucha.

Sin embargo, la opinión crítica respecto de Mussorgsky con el transcurso del tiempo ha cambiado en referencia a su estilo, considerado en algún momento como agreste, sin embargo se ha revalorizado su originalidad. Esto motivó a Rimski-Kórsakov a hacer algunas otras revisiones, tales como Borís Godunov, y reemplazó con producciones más fieles los manuscritos originales de Músorgsky aun a riesgo de no ser condescendiente con el público.



Nikolái Rimski-Kórsakov retratado por Ilya RepinEn 1871, a pesar de haber sido autodidacta, se convirtió en profesor de composición y orquestación en el Conservatorio de San Petersburgo. Allí enseñó a muchos compositores que más tarde alcanzarían renombre internacional, como por ejemplo Alexander Glazunov, Serguéi Prokófiev e Ígor Stravinski.

Escribió un tratado de orquestación que fue mundialmente utilizado por los estudiantes de composición durante todo el siglo XX, pero que en la actualidad se ha abandonado debido a que los ejemplos de instrumentación están tomados sólo de obras propias (lo cual limita la gama de posibilidades de aprendizaje del alumno). También hizo un Tratado de Armonía.



Continuó componiendo prolíficamente, produciendo muchos trabajos orquestales, incluyendo las famosas obras Scheherezade y el Capricho español (1887). También escribió quince óperas, como Kaschéy el inmortal y El cuento del zar Saltán (1903).

Posteriormente apareció la afamada obra El vuelo del moscardón, arreglada para distintas agrupaciones de instrumentos. Entre su música litúrgica ortodoxa rusa encontramos la obra a capella, Liturgia de San Juan Crisóstomo y la obra orquestal, La Gran Pascua Rusa.

En 1905 Rimski-Kórsakov fue cesado de su cargo de profesor en San Petersburgo debido a sus opiniones políticas. Esto provocó una serie de dimisiones de sus camaradas miembros de la facultad, y gracias a eso fue reincorporado a su cargo. La controversia política continuó en 1907 con su ópera El gallo de oro (Le Coq d'Or), que era un ataque a la Rusia Imperial y que fue prohibida desde su estreno.

Hacia el final de su vida, Rimski-Kórsakov enfermó de angina y murió en Lyubensk el 21 de junio de 1908. Fue enterrado en el cementerio de Tijvin del monasterio Alexánder Nevski, en San Petersburgo, Rusia.

- FRAUDE -

El verdadero fraude


Las alternativas que depararon los comicios provinciales de Córdoba y Chaco, cuyos resultados finales son aún inciertos, han dado lugar a generalizadas sospechas de fraude electoral con vistas a las elecciones presidenciales del 28 de octubre próximo. Frente a todas las conjeturas en esa dirección y a la demanda de dirigentes de la oposición de convocar a veedores internacionales para el acto electoral venidero, es menester actuar con cautela y con la máxima responsabilidad.

La acusación de fraude electoral es una de las más graves que pueda realizarse en un sistema democrático, lo cual obliga a ser muy prudentes a la hora de su formulación. Eso no quiere decir que deba cesar cualquier reclamo tendiente a que el Estado arbitre todos los mecanismos necesarios para garantizar absoluta transparencia.

Al margen de las dudas que han desatado las elecciones cordobesa y chaqueña, no existen hoy indicadores concluyentes para generalizar la posibilidad de que el fraude sea una suerte de virus capaz de infectar nuestro sistema democrático.

En cambio, se advierte con inquietud una llamativa incapacidad de buena parte de la oposición para fiscalizar adecuadamente los comicios. Esto no es más que una consecuencia de una debilidad de nuestro sistema de partidos, derivada de la falta de estructuras políticas debidamente organizadas, tanto como de la inexistencia de acuerdos entre las fuerzas opositoras para unirse hasta ahora en el control de la votación.

Por cierto, desde la reapertura democrática de 1983, no se recuerdan en elecciones presidenciales denuncias concretas de fraude capaces de empañar los respectivos resultados emanados de las urnas.

¿Por qué a un mes de la realización de nuestra sexta elección presidencial desde la que ganó Raúl Alfonsín 24 años atrás se multiplican las dudas y los temores? Probablemente, porque, en forma generalizada y equivocada, se está asociando un posible resultado electoral ajustado con una votación fraudulenta.

Sin descartar que puedan haberse cometido irregularidades en los comicios cordobeses -no faltan hechos irregulares que alimenten sospechas- es necesario insistir en seguir alentando la prudencia. Prudencia, que deberían exhibir, en primer lugar, los candidatos, quienes deberían abstenerse de proclamarse ganadores sobre la base de cada vez más dudosas encuestas en boca de urna o a partir del resultado que arroje un escrutinio provisional al cabo de una votación reñida. Prudencia, que también deberían cultivar, quienes denuncien situaciones irregulares, poniendo a disposición de la justicia electoral elementos de prueba que vayan más allá de meras presunciones.

Una vez más, es fundamental insistir en que la opinión pública debe tener presente que el escrutinio provisional no es el resultado final de la votación. Es, en cambio, el escrutinio definitivo, a cargo de la justicia electoral, el único cómputo que puede determinar con fuerza legal quiénes son los ganadores.

Sería conveniente también que la dirigencia política, en lugar de advertir sobre el fantasma del fraude para las próximas elecciones, se ocupara del verdadero fraude que está teniendo lugar en estos días, previos a los comicios.

Nos referimos al fraude que implica la proliferación de las llamadas listas colectoras de candidatos, como las que abundan en la provincia de Buenos Aires, a través de las cuales algunos dirigentes encontraron la forma de burlarse de la Constitución y avanzar hacia una ley de lemas de hecho.

Y nos estamos refiriendo también al fraude que supone la inexistencia de un debate serio de propuestas, derivada de la desaparición en muchos casos de las tradicionales plataformas de propuestas partidarias y de la presencia de una candidata oficialista que se esconde de la prensa y de sus rivales, al tiempo que utiliza todos los recursos públicos a su alcance para hacer proselitismo electoral. Por ahora, es ése el fraude más escandaloso.

- POBREZA -

Contra la pobreza

Por Ricardo Esteves
Para LA NACION


Más allá de la responsabilidad moral que le cabe a todo aquel que se encuentre en posiciones de dirigencia –no solamente a los empresarios–, la erradicación de la pobreza es una exigencia social, política y económicamente prioritaria. En esa lucha juegan un papel decisivo las metas en educación, salud y empleo.

Esos parámetros han sido expuestos en la Declaración de las Naciones Unidas del año 2000, en el marco de las Metas de Desarrollo del Milenio. Para avanzar hacia esos objetivos, el Inter-American Economic Council, de Washington, llevará a efecto el próximo viernes, en Buenos Aires, un seminario en el que participarán destacadas personalidades internacionales comprometidas con la responsabilidad y el cambio social.

Tomarán parte de la reunión Harriet Fulbright, presidenta de la conocida fundación Fulbright, que otorga las becas homónimas y Diana Negroponte, del Brookings Institute, además de otros renombrados actores de la solidaridad social.

Desde una perspectiva empresaria, y en paralelo a los parámetros éticos, que no deben ser soslayados, la responsabilidad social empresaria depara ventajas efectivas para el mundo de los negocios.

En primer lugar, las empresas dependen del mercado, es decir, de los compradores de sus productos y servicios. La pobreza no participa del mercado.

Dicho de otro modo: usualmente, los pobres no tienen suficientes recursos para comprarles a las empresas.

Incluso para aquellas empresas orientadas hacia la exportación, que de algún modo pueden prescindir del mercado interno, resulta altamente beneficioso estar insertadas en sociedades igualitarias, que evolucionen en educación y servicios sociales, pues de ellas deberán provenir los recursos humanos que les permitan estar al día en materia de competitividad global.

Desde otra óptica, en la medida en que subsista la pobreza en alto grado, buena parte de los impuestos se destinarán al asistencialismo, en lugar de ir a infraestructura o educación, inversiónes públicas que necesita el sector empresario para mantener la referida competitividad.

Por consecuencia de estos aspectos, y como regla general, en los países con mercados sólidos e inclusivos, el valor de las empresas –y, por ende, el patrimonio de los empresarios– es mucho más alto que en aquellos que cobijan grandes bolsones de pobreza.

Por un cambio de paradigma producido en el tramo final del siglo XX, esto es, la transformación de las sociedades modernas en comunidades de la información, donde los hechos se difunden en tiempo real y llegan a un universo muy amplio de ciudadanos, las empresas están expuestas a una nueva realidad a la cual deben adaptarse.

No hay empresa que esté exenta de un accidente, ya sea ecológico, industrial o laboral. Cuando estos acontecimientos toman estado público, las sociedades juzgan y emiten juicio en cuestión de minutos.

Por esta razón importa tanto la imagen que las empresas construyan sobre sí mismas. Ante un hecho imprevisto y desgraciado, esa imagen, si es positiva, puede actuar como una red de contención que evite un daño mayor, como las que protegen a los trapecistas en un circo.

La mejor red que puede crear una empresa es construir una imagen favorable. Evitará así una condena automática de la opinión pública, con todo lo que ello implica para esa empresa (por ejemplo, afectar la venta de sus productos) e incidirá sobre el estado de ánimo de la Justicia, que a su turno deberá juzgar el hecho en cuestión.

La vía más eficaz para una empresa de construir una buena imagen es trabajando con energía y generosamente en programas de responsabilidad y solidaridad social.

Al margen de que la buena imagen corporativa ayuda a vender, la empresa con buena imagen cuenta, a priori, con un crédito de la sociedad, que confía en su buena fe.

El cambio de paradigma afectó también la esencia de la empresa. Si hasta mediados del siglo XX su misión se limitaba a producir y vender artículos de calidad a precios competitivos y generar ganancias a sus accionistas, hoy día su misión se ha ampliado.

Debe complementar al Estado (no sustituirlo) en la atención de las crecientes necesidades de la sociedad moderna. Puede cumplir en buena medida esa función, y aproximarse a la comunidad, a través de programas de responsabilidad social.

Aun sin llegar al extremo de la predicción que en los años 60 del siglo pasado hizo el sociólogo brasileño Josué de Castro, que sentenciaba que el mundo iba a estar habitado “por aquellos que no comen, pero duermen, y por los que comen, pero no duermen pensando en los que no comen”, interesa a los empresarios y a sus familias vivir en sociedades que estén exentas de la tensión que deriva de la pobreza.

La pobreza es, además, un obstáculo para la democracia plena, pues sume a los pobres en la dependencia del clientelismo. Y en democracias imperfectas las empresas están expuestas a la arbitrariedad del poder, y éste, a injerencias indebidas de parte de las empresas.

Por todas estas razones, más otras que exceden estas reflexiones, amén de los motivos éticos y humanitarios, interesa en grado sumo a los empresarios argentinos involucrarnos activamente en el compromiso de la responsabilidad social.

El autor es empresario

- HORACIO FERRER -

Horacio Ferrer

Un letrista de lujo


Llegó al tango con sus letras locas cuando éste ya no podía darle la fama y la devoción popular que había derramado sobre otros creadores, que para entonces estaban muertos o se resignaban al ocaso. Pero se abrió paso de todas formas, y hasta logró ser el letrista adoptado por Astor Piazzolla, único vanguardista que no desdeñó el tango canción.

Por momentos consiguió conectar con esas grandes masas ya alejadas del género, y le regaló a Piazzolla la multitudinaria repercusión popular que le había faltado. De todas formas, nunca incurrió en una lírica directa y plana, empecinamiento por el que todo artista paga un precio. Creador de una obra incesante, aplaudida o rechazada, ha sido y es el letrista más resuelto a escribir versos nuevos cuando ya todos los versos del tango parecían haber sido escritos.

Horacio Ferrer vio la luz en un hogar montevideano impregnado de arte. De muy niño escribía ya versos, obras para títeres y, algo después, milongas que cantaba, acompañándose en guitarra, para sus amigos del barrio en el sótano de un almacén. Quien le enseñó a sacar tangos de oído en la guitarra fue un tío materno que vivía en Buenos Aires, en la margen occidental del Río de la Plata, adonde viajaba con sus padres frecuentemente. Fue ese mismo tío quien le haría conocer la noche porteña, con toda su galería de personajes bohemios.


Sus primeros tangos surgieron a comienzos de los '50, apareciendo en ellos la temática y el estilo por momentos surreal de sus obras posteriores. Con amigos de la carrera de arquitectura y el coleccionista Víctor Nario inició en Uruguay un programa radial semanal: "Selección de Tangos", desde el cual se propuso defender a las resistidas tendencias vanguardistas. De esa audición insurgente nacerá en 1954 "El Club de la Guardia Nueva", que organizaba conciertos con Aníbal Troilo, Horacio Salgán y el revolucionario Octeto Buenos Aires de Astor Piazzolla. A éste lo conoció en 1955, al regresar Astor de Francia. Ese encuentro alcanzaría gran trascendencia.



Ferrer redacta, ilustra y dirige durante siete años la revista "Tangueando", mientras sus versos y sus tangos permanecen inéditos. En esa misma época, entre 1956 y 1959, estudia bandoneón y comparte una pequeña orquesta. Durante este último año publica su primer libro, El Tango. Su historia y evolución, editado por la casa Peña Lillo. Por las dos ondas del Sodre, la radio oficial uruguaya, pone en el aire hasta 1967 ciclos orgánicos sobre la evolución del tango. En lo sucesivo conduciría numerosos programas radiales y televisivos en las dos orillas del Plata.

Tras abandonar sus estudios de arquitectura ingresó como redactor a los suplementos del matutino montevideano "El Día", y por pedido de Troilo escribió "La última grela", tango con el que iniciara su trayectoria de letrista consagrado. Los años que siguieron abundaron en hechos significativos, y entre éstos la celebración del Primer Festival Universitario de Tango, con la participación de Piazzolla, Julio De Caro, César Zagnoli, Prudencio Aragón y otros.

En 1967 graba los poemas de su "Romancero canyengue" para el sello argentino independiente Trova, acompañado por la guitarra de Agustín Carlevaro. El disco provoca que Piazzolla lo invite a escribir juntos, lo que harán intensamente hasta 1973. Así surge, como primer gran fruto, la operita "María de Buenos Aires", que en 1968 estrenan, en la sala Planeta, de Buenos Aires, Piazzolla con su orquesta de diez músicos, las voces de Héctor de Rosas y Amelita Baltar, y el propio Ferrer como recitante en el papel de El Duende. Trova la edita en dos LP, mientras van surgiendo los primeros tangos del binomio, como el ya clásico "Chiquilín de Bachín" y "Juanito Laguna ayuda a su madre", mostrando un claro compromiso social.


A lo largo de 1969 surge la serie de tangos llamados baladas, de los cuales "Balada para un loco" constituirá un éxito resonante, el primero auténticamente masivo que disfrutará Piazzolla. Entre varias obras en que Ferrer despliega su peculiar imaginario, con un lenguaje que lo distingue absolutamente de cualquier otro letrista ("Canción de las venusinas" y "La bicicleta blanca" son ejemplos de ello), sobresale "Fábula para Gardel", una emocionada introducción al arte del genial cantor, con la poética excusa de un padre que le habla de él a su pequeño. En su estreno, el poema fue recitado insuperablemente por el propio Ferrer en el Luna Park de Buenos Aires, acompañado por ocho bandoneones y una gran orquesta bajo la batuta de Piazzolla, en una noche apoteótica. Aquellas producciones quedaron plasmadas en el disco "Astor Piazzolla y Horacio Ferrer en persona".

Entre un extenso número de obras, presentaciones y premios en varios países, Ferrer colaboró con importantes artistas del género, como Roberto Grela, Leopoldo Federico, Raúl Garello y Horacio Salgán, con quien en 1975 compuso el Oratorio Carlos Gardel. Al año siguiente escribió con figuras ya míticas del tango, como Julio De Caro ("Loquita mía"), Pedro Laurenz (poniendo versos a "Esquinero"), Armando Pontier ("El hombre que fue ciudad"), Osvaldo Pugliese ("Yo payador me confieso") y Aníbal Troilo ("Tu penúltimo tango").

Además de prolífico letrista ("Balada para mi muerte", "El Gordo triste" y "El hombrecito blanco" son ejemplos de su poder creador), Ferrer es autor, entre otras obras, de "El Libro del Tango, Arte Popular de Buenos Aires", cuya primera edición data de 1970. Sobre todo en su edición de 1980 en tres tomos (Antonio Tersol Editor), con más de dos mil páginas, es la referencia obligada de cualquier estudioso.

Nació un 2 de Julio de 1933 en Montevideo, Uruguay y hasta la fecha convive en éste, su Buenos Aires.

- LOS SIMULADORES -

LA CULTURA DEL CAMALEON

En los últimos tiempos se nota en demasía, que los discursos y pensamientos de algunos políticos, en uso y abuso del poder, cambian erráticamente de acuerdo a “lo que dicen las encuestas”, “lo que la gente quiere oír” ó de impresionantes y demagógicas “mises à sens” que no se hacen ni en los más burdos escenarios porteños.

Es lamentable... no tienen convicciones y van para donde el viento va ó caminan por la vereda del sol, según más convenga. Se manejan por la cornisa de la opinión pública, de espaldas a la realidad y con inimaginables contradicciones constantes y descaradas, intentando quedar bien con Dios y con el diablo.

Esta gente, que dice comprender el pensamiento del gran soberano: el pueblo, en realidad lo único que busca, es perpetuarse en el poder cueste lo que cueste.
Son capaces de hacer y decir cualquier cosa para “interpretar” el sentir popular y adaptarlo al discurso de barricada inmediatamente, cosa de “apropiarse” inadecuadamente de lo ajeno, de lo que jamás se les hubiera ocurrido, de lo que en la vida habían pensado y además rápidamente lo convalidan, como si nada! Es igual.

Algunos ahora, hablan de seguridad, de la “saturación preventiva”, de los piqueteros, del colapso de la Ciudad de Buenos Aires, del traspaso de la Policía, de la Justicia y todo lo inherente al desempeño de un estado, como de hecho lo es la CABA, en un sistema supuestamente “federal”.

Mientras tanto son “responsables políticos” y “se hacen cargo” -MA NON TROPO- Esconden la pelota, embarran la cancha y siguen pateando al costado, hasta que el partido termine. La tribuna está cansada. Ni los hinchas de Camerun, del genial Caloi con su inmortal Clemente “se lo bancan”.
Lo tuyo es mío y lo mío, es mío; aunque si lo mío es malo, puede ser tuyo...

Hace unos años apareció con comercial de TV sobre un producto, que era una mezcla de mostaza con mayonesa: se lo denominó Mostaneza y paradójicamente el slogan rezaba: Para qué, si así estamos bien...! Indudablemente los creativos publicitarios, lograron reflejar a una parte de nuestra sociedad que, no está conforme con lo que tenemos, pero le tienen mucho miedo al cambio y prefieren “malo conocido que bueno por conocer”.

Si no hay voluntad de cambio, el derrotero de la mediocridad es irreversible!
Como dice en su nuevo CD la negra Sosa: “No te entregues corazón libre, no te entregues...”

A paso firme pretenden llevarnos a un mundo de tinieblas, trivialidades y raros manejos
acompañados de trasnochadas y erráticas realidades. Creen que el país y la ciudad es de ellos, que todos “compramos” sus discursos y compartimos esos lamentables pensamientos subdesarrollados. Ahora bien, si ésta estrategia no prospera, si la gente se da cuanta del manejo, el mensaje y el packaging se cambiarán inmediatamente, negando como Poncio Pilatos, cualquier vinculación con el fracaso y la existencia de dicha criatura.
“Borrar con el codo lo que se escribe con la mano”. La práctica del doble discurso.

A no asustarse, decía Chico Novarro hace unos cuantos años que se trata del camaleón: “que cambia de colores según la ocasión”.

Ricardo A. Carrasquet

- HAYN -

Franz Joseph Haydn


Nace en Rohrau an der Leitha un 31 de marzo de 1732 y muere en Viena, el 31 de mayo de 1809. Compositor austríaco de música clásica, representante de la época clasicista.

Nació en una pequeña población vecina de Viena y cerca de la frontera con Hungría, en 1732, y fue el segundo de los doce hijos de Matthias Haydn y Anna Maria Koller. El padre era fabricante y reparador de carros al servicio del conde Harrach.

Entró como niño cantor en el coro de la Catedral de San Esteban en Viena donde estuvo durante diez años, hasta que en 1749 Haydn alcanzó la edad en la que ya no pudo cantar tonos agudos, por lo que fue despedido del coro. Unos amigos lo acogieron en su casa, y decidió convertirse en músico independiente, transcurriendo diez años difíciles, destacando el ser sirviente del compositor italiano Nicola Porpora. Haydn sacó partido de estos años al ir adquiriendo mayores conocimientos musicales, hasta el punto que compuso sus primeros cuartetos de cuerdas y su primera ópera, además de que su reputación como compositor empezó a crecer y se hizo conocido de personas influyentes de Viena.



Al final de este período, en 1759, Haydn recibió una oferta de empleo importante, que fue la de director musical del conde Morzin. Al mismo tiempo componía, y escribió sus primeras sinfonías para la orquesta. El conde Morzin padecía dificultades económicas, por lo que a los dos años despidió a todos sus músicos.

No obstante, Haydn encontró enseguida un empleo similar como asistente del director musical de la familia Esterházy, una de las más ricas e influyentes del imperio austríaco, y que residía en invierno en Viena y en verano en dos palacios de su propiedad, uno al sur de la capital y otro en Hungría. Los Esterházy eran amantes y conocedores de la música y le dieron todo el apoyo que necesitaba para su labor, incluso su propia pequeña orquesta.

Empezó a trabajar para el príncipe Paul Anton Esterházy en 1762, y muerto éste al año siguiente, en 1763, sirvió a su hermano Nicolás llamado el magnífico durante casi treinta años. En su nuevo cargo, Haydn tuvo una gran responsabilidad, que consistía en componer música para cada ocasión, dirigir la orquesta, interpretar música de cámara con miembros de la orquesta y también de la familia, y organizar el montaje de óperas (presentaba todas las semanas dos operas y dos conciertos, además de las obras especiales para los visitantes destacados, y conciertos de música de cámara diarios en los que tocaba el propio príncipe la viola de bordón).

A pesar del intenso trabajo, Haydn se consideró un hombre afortunado: " mi príncipe está satisfecho con toda mi obra, se me elogia, y yo como director de orquesta puedo hacer experimentos, observar qué refuerza un efecto y qué lo atenúa y hacer mejoras, intentando cosas nuevas".

Al ver que su situación era estable, Haydn se casó en 1770, pero el matrimonio no se entendía y no tuvieron hijos. Tuvo por el contrario una larga relación sentimental con una cantante de los Esterházy, con la que, según algunos biógrafos, tuvo uno o varios hijos.

Transcurrieron casi 30 años en los que Haydn trabajó en este cargo y en los que compuso un sinfín de obras. A lo largo de este tiempo su estilo fue desarrollándose y su popularidad fue creciendo. Con el tiempo llegó a componer tantas obras para su publicación como para los Esterházy. Obras tan conocidas actualmente como sus Sinfonías de Paris fueron compuestas en aquellos años.



En 1781 Haydn estableció una estrecha amistad con Mozart, sobre cuyo trabajo había tenido alguna influencia en los años anteriores. Sintió una gran admiración por Mozart y por la maestría con la que había escrito sus recientes óperas y conciertos. Por su parte, Mozart se esforzaba en componer música de cámara que estuviese en su opinión a la altura de Haydn, a quien dedicó unos cuartetos de cuerda.

Un año después de la revolución francesa de 1789 que conmocionaba a toda Europa, en 1790, murió el patriarca de los Esterházy y su sucesor resultó ser un hombre sin interés por la música, que despidió a la orquesta y jubiló a Haydn. Con tal motivo aceptó la oferta de un empresario musical alemán para viajar a Inglaterra y dirigir sus nuevas sinfonías con una gran orquesta. Su estancia en ese país fue un gran éxito.



Haydn alcanzó una amplia fama y tuvo considerables ingresos. En Inglaterra compuso también algunas de sus obras más sobresalientes, como las Sinfonías de Londres (entre ellas la Sinfonía nº 104 "Londres") y las Sinfonías Militares, el Cuarteto Reiter o el Rondo Gitano para trío con piano.

Habiendo considerado quedarse en Inglaterra, Haydn finalmente volvió a Viena, donde se hizo construir una gran casa, y decidió dedicarse a la composición de obras sacras. Escribió dos grandes obras, el Oratorio La Creación y el Oratorio Las Estaciones, así como seis Misas.

También compuso los últimos nueve Cuartetos de cuerda. A partir de 1802 una enfermedad que había tenido anteriormente volvió a aparecer y se desarrolló hasta tal punto que ya no era capaz de componer, si bien en su mente las ideas de nuevas obras fluían con facilidad. A pesar de estar bien cuidado y no faltarle de nada, así como de tener amigos y ser un músico apreciado, Haydn debió pasar sus últimos años entristecido por no poder trabajar en su música.

Haydn murió a los 77 años de edad, mientras Viena era atacada por las tropas de Napoleón. Sus últimas palabras fueron las que dirigió a sus sirvientes, tranquilizándoles acerca de las bombas que caían en la vecindad.

- WAGNER -

Richard Wagner

(Leipzig, actual Alemania, 1813-Venecia, Italia, 1883)

Compositor, director de orquesta, poeta y teórico musical alemán. Aunque Wagner prácticamente sólo compuso para la escena, su influencia en la música es un hecho incuestionable. Las grandes corrientes musicales surgidas con posterioridad, desde el expresionismo hasta el impresionismo, por continuación o por reacción, encuentran en él su verdadero origen, hasta el punto de que algunos críticos sostienen que toda la música contemporánea nace de la armonía, rica en cromatismos, en disonancias no resueltas, de Tristán e Isolda.

La infancia de Wagner se vio influida por su padrastro Ludwig Geyer, actor, pintor y poeta, que suscitó en el niño su temprano entusiasmo por toda manifestación artística. La literatura, además de la música, fue desde el principio su gran pasión, pero el conocimiento de Weber y, sobre todo, el descubrimiento de la Sinfonía núm. 9 de Beethoven lo orientaron definitivamente hacia el cultivo del arte de los sonidos, aunque sin abandonar por ello su vocación literaria, que le permitiría escribir sus propios libretos operísticos.

De formación autodidacta, sus progresos en la composición fueron lentos y difíciles, agravados por una inestable situación financiera, la necesidad de dedicarse a tareas ingratas (transcripciones de partituras, dirección de teatros provincianos) y las dificultades para dar a conocer sus composiciones. Sus primeras óperas -Las hadas, La prohibición de amar, Rienzi- mostraban su supeditación a unos modelos en exceso evidentes (Weber, Marschner, Bellini, Meyerbeer), sin revelar nada del futuro arte del compositor.


Hasta el estreno, en 1843, de El holandés errante, no encontró el compositor su voz personal y propia, aún deudora de algunas convenciones formales que en posteriores trabajos fueron desapareciendo. Tannhäuser y Lohengrin señalaron el camino hacia el drama musical, la renovación de la música escénica que llevó a cabo Wagner, tanto a nivel teórico como práctico, en sus siguientes partituras: El oro del Rin (primera parte de la tetralogía El anillo de los nibelungos) y Tristán e Isolda.

En estas obras se elimina la separación entre números, entre recitativos y partes cantadas, de modo que todo el drama queda configurado como un fluido musical continuo, de carácter sinfónico, en el que la unidad viene dada por el empleo de unos breves temas musicales, los leitmotiv, cuya función, además de estructural, es simbólica: cada uno de ellos viene a ser la representación de un elemento, una situación o un personaje que aparece en el drama.

No sólo en el aspecto formal fue revolucionaria la aportación wagneriana: en los campos de la melodía, la armonía y la orquestación -con el uso de una orquesta sinfónica de proporciones muy superiores a las que tenían las habituales orquestas de ópera-, sino que también dejó una impronta duradera. Su gran aspiración no era otra que la de lograr la Gesamtkunstwerk, la «obra de arte total» en la que se sintetizaran todos los lenguajes artísticos.


Sus ideas tuvieron tantos partidarios como detractores. Uno de sus más entusiastas seguidores fue el rey Luis II de Baviera, gracias a cuya ayuda económica el músico pudo construir el Festspielhaus de Bayreuth, un teatro destinado exclusivamente a la representación de sus dramas musicales, cuya complejidad superaba con mucho la capacidad técnica de las salas de ópera convencionales.

En 1876 se procedió a su solemne inauguración, con el estreno del ciclo completo de El anillo de los nibelungos. Años antes, en 1870, el compositor había contraído matrimonio con la hija de Franz Liszt, Cosima, con quien había mantenido una tormentosa relación cuando aún estaba casada con el director de orquesta Hans von Bülow. Wagner dedicó los últimos años de su vida a concluir la composición de Parsifal.

- MISSING -

Los desaparecidos de hoy











De acuerdo con datos de la organización no gubernamental Missing Children, en la actualidad hay en la Argentina 228 menores desaparecidos.

Es probable que cualquiera de esos casos sea tan desgarrador o conmocionante como la misteriosa desaparición de la niña británica Madeleine, ocurrida en mayo último en Portugal, que ha movilizado al mundo entero. Sin embargo, prácticamente ninguno de los chicos que son buscados en nuestro país ha merecido mayor despliegue en los medios de comunicación ni ha despertado campañas masivas en la sociedad, al margen de las que hacen Missing Children y la Red Solidaria, ni tampoco mayor preocupación gubernamental.

Este hecho, paradójico en un gobierno que dice haber hecho de la defensa de los derechos humanos una de sus principales banderas y en una sociedad que, como pocas, ha experimentado y sufrido la violencia, puede merecer distintas explicaciones.

Tal vez guarde relación con una sociedad que no resiste demasiada realidad para no caer en la desesperanza y que, entonces, prefiere mirar para otro lado. O quizá se relacione con intencionalidades políticas, sostenidas por quienes son partidarios de esconder la mugre debajo de la alfombra con tal de no pagar costos electorales.

Lo cierto es que las estadísticas de nuestro país son lisa y llanamente escalofriantes. Sobre un total de 2874 denuncias acerca de chicos perdidos o buscados a pedido de juzgados, de las cuales da cuenta la organización Missing Children desde 1998 hasta el 31 del mes último, hay 228 menores que siguen sin aparecer. Fueron encontrados 2559, incluyendo 41 sin vida, al tiempo que 87 casos fueron cerrados por distintos motivos.

No es casual que el mayor número de menores desaparecidos corresponda al sexo femenino, a raíz de la existencia de redes mafiosas vinculadas con el negocio de la prostitución, favorecidas por la inexistencia de una verdadera política de Estado para combatir eficazmente ese flagelo y por la lamentable complicidad policial con esas nefastas organizaciones en no pocos lugares del país.

La desaparición de personas, inevitablemente asociada con la indisimulable situación de inseguridad que reina en buena parte de la Argentina, es testimoniada por otros datos, aportados por la Red Solidaria, y desvinculados de los menores de edad. Efectivamente, al día de hoy, existen siete argentinos secuestrados (un caso denunciado en la Capital Federal, dos en Buenos Aires, dos en Tucumán, uno en Entre Ríos y otro en Corrientes) y nada menos que 62 personas mayores de 21 años cuyo paradero es desconocido.

Hace pocos días, se cumplió un año de la desaparición de Jorge Julio López, testigo en la causa judicial contra Miguel Etchecolatz, subjefe de la policía bonaerense durante el gobierno militar.

Resulta grave que, habiendo transcurrido tanto tiempo desde la desaparición, la investigación haya avanzado tan poco o nada, sobre todo ante la hipótesis de que se esté ante un delito de la gravedad de haberse pretendido silenciar a un testigo de la Justicia y frente a la tenebrosa experiencia de los años setenta.

Al mismo tiempo, llama la atención que algunos sectores, utilizando el nombre de la víctima, busquen resquicios para realimentar viejas heridas y odios, o para sembrar violencia, como ocurrió días atrás en Neuquén, donde manifestantes que reclamaban la aparición con vida de López agredieron a un oficial del Ejército, egresado del Colegio Militar en plena democracia, por el simple hecho de vestir uniforme.

Así como del Estado debe esperarse que actúe con el máximo de empeño para esclarecer cualquier desaparición de personas, cabe aguardar que la sociedad preserve como nunca el orden social en estas situaciones.

Entretanto, no puede dejar de sorprendernos que, más allá del impacto simbólico que pueda tener su desaparición, desde sectores gubernamentales se insista en hablar de Jorge Julio López como el primer desaparecido de la democracia. Las estadísticas, aterradoras y afortunadamente no sujetas a las manipulaciones del Indec, dan cuenta de que son muchos más.