- SAN LORENZO -

Cayetano Alberto Silva



Cayetano Alberto Silva (Maldonado, Uruguay, 7 de agosto de 1868, - Provincia de Santa Fe, Argentina, 12 de enero de 1920). Músico uruguayo nacionalizado argentino, autor entre otras de la famosa Marcha de San Lorenzo.





Nació en San Carlos, departamento de Maldonado (República Oriental del Uruguay), el 7 de agosto de 1868. Era hijo de Natalia Silva, esclava de la familia que le dio el apellido. Desde chico le gustaba la música por lo que inició sus estudios con el maestro Rinaldi en la Banda Popular de San Carlos.





En 1879 ingresó a la Escuela de Artes y Oficios de Montevideo donde se incorporó a la Banda de Música dirigida por Gerardo Grasso, quien le enseñó solfeo corno y violín. En 1888 pidió la baja y comenzó a deambular por los centros sociales de agitación obrera, teatros y conservatorios de música de Montevideo.





Al año siguiente se decide a viajar a Buenos Aires donde incursiona en el Teatro Colón y asiste a la Escuela de Música dirigida por Pablo Berutti. Se traslada luego a la ciudad de Rosario donde el 1 de febrero de 1894 fue nombrado maestro de la Banda del Regimiento 7 de Infantería. En Rosario se casa con Filomena Santanelli con quien tuvo ocho hijos.





En 1898, al ser contratado por la Sociedad Italiana de Venado Tuerto, provincia de Santa Fe se traslada con su familia a dicha ciudad donde funda un centro lírico, enseña música y crea la “Rondalla” con la que actúa en el Carnaval de 1900. También escribe la música de las obras teatrales “Canillita” y “Cédulas de San Juan” de su compatriota y amigo Florencio Sánchez. Estas obras son estrenadas en Rosario con mucho éxito.





El 8 de julio de 1901, en su casa de Venado Tuerto, compone una marcha que dedica al “Coronel Pablo Ricchieri”, Ministro de Guerra de la Nación en ese entonces y modernizador del Ejército Argentino. Ricchieri le agradeció el homenaje pero le pidió que le cambie el título por “San Lorenzo”, población donde el había nacido.





La marcha se interpretó por primera vez en un acto público el 30 de octubre de 1902 en San Lorenzo en las cercanías del histórico Convento de San Carlos donde se gestó la batalla. Ese día la marcha fue designada Marcha oficial del Ejército Argentino. Dos días después Silva vuelve a ejecutarla al inaugurarse el monumento al General San Martín en la ciudad de Santa Fe, con asistencia del presidente Julio Argentino Roca y de Ricchieri.





En 1907, su vecino y amigo de Venado Tuerto, Carlos Javier Benielli, le agregaría la letra que luego sería adaptada para las escuelas. Acosado años después por la pobreza Cayetano Silva vendería los derechos de la marcha a un editor de Buenos Aires por una suma insignificante.





La marcha se hizo con el tiempo famosa en otros países hasta tal punto que fue ejecutada el 22 de junio de 1911 durante la coronación del rey Jorge V con la autorización previa solicitada a nuestro país por el gobierno inglés. Lo mismo ocurrió para la coronación de la reina Isabel, actual soberana inglesa.





Además se ejecuta en los cambios de guardia del palacio de Buckinghan, modalidad que fue suspendida en el tiempo que duró la Guerra de las Malvinas. También fue tocada por los alemanes en París cuando durante la Segunda Guerra Mundial marcharon por las calles de esa ciudad. Curiosamente también el general Einsenhower la hizo ejecutar al ingreso triunfal del ejército aliado que liberara a los franceses.





Otras marchas compuestas por Cayetano Silva fueron “Rio Negro”, “Anglo Boers”, “22 de Julio”, marcha de “San Genaro” (en honor a esa población cercana a Rosario), “Curapaytí” (1906, inspirada en la Guerra del Paraguay) y "Tuyutí". Al igual que la Marcha de San Lorenzo estas dos últimas también tienen letra de Benielli. En 1906 fue maestro del Regimiento 3 de Infantería. Radicado en Mendoza fundó la Banda de Música del cuerpo de Bomberos y ejerció la docencia.





Cayetano Silva fue también empleado policial pero al morir por serios problemas de salud en Rosario, en 1920, la policía le negó sepultura en el Panteón Policial por ser de raza negra, por lo que fue sepultado sin nombre. Sin embargo sus restos fueron trasladados en 1997 al Cementerio Municipal de Venado Tuerto a través de gestiones efectuadas por la Asociación Amigos de la Casa Histórica “Cayetano A. Silva”.





Esta casa, sede del museo regional, Archivo Histórico, y sede de la Banda Municipal "Cayetano A. Silva", tiene domicilio en Maipú 966, Venado Tuerto, y es en la que vivió el compositor.

- TATO -

Tato Bores



Aniversario de su fallecimiento



Renovó el lenguaje del humor político. Durante más de treinta años, azuzó la conciencia de los argentinos con su dura crítica al poder y nuestro modo de ser.
Mauricio Rajmín Borezstein nació el 27 de abril en un inquilinato de la calle Tucumán y Carlos Pellegrini.





Desde chico tuvo que salir a trabajar para ayudar en su casa. No había cumplido diez años y ya estaba abriendo las puertas de los coches en la entrada del Teatro Cervantes. Pese a todo pudo terminar la escuela primaria, pero no la secundaria.





Su primera pasión fue la música, por eso comenzó como “plomo” de las orquestas de René Cóspito y Luis Rolero. Corría el año 1943. Estas agrupaciones amenizaban el programa de Pepe Iglesias “El Zorro”, en Radio Splendid, y ese fue su primer contacto con el humor.





En 1946 integró el elenco de “La escuela humorística”, donde dio vida al “alumno Igor”. Ya temprano lo complicaría la censura: el ministro de Educación lo prohíbe porque, dada su repercusión, todos los chicos lo imitaban en la escuela.





Más allá de la radio, también trabaja en teatro. Se inicia con Fanny Navarro en el Teatro Maipo y durante nueve años consecutivos integra los elencos. Tampoco le es ajeno el cine.





En 1947 se inicia en el cine, participa de “La caraba”, protagonizada por Olinda Bozán y Francisco Álvarez, con dirección de Julio Saraceni. A partir de ese momento su presencia en el cine es permanente. Como actor de reparto o protagonista participó en numerosas películas.





En 1954 se casa con Berta Szpindler –a la que nunca dejaría de nombrar en sus programas–, con quien tuvo tres hijos: Alejandro, Sebastián y Marina. Poco después, en 1957, se inicia en la televisión en Caras y Caretas –Canal 7–, aunque su humor aún no tomaba como eje la política.





En esos días, el señor indiscutible de la sátira política era Pepe Iglesias que tras la caída del peronismo volvía al teatro. Él fue quien marco, en cierta manera, la senda que luego seguiría Bores. En 1963 reflexionaba: “El monólogo tiene una clave: es una especie de reportaje político; yo leo los titulares de los diarios y cuento las noticias en el escenario agregándole un comentario jocoso. Pero siempre hay que actualizar la información: un chiste político del jueves no hace reír el viernes".





Su carrera como humorista político comienza en 1958, cuando se presenta en el programa vestido con frac, habano, lentes y peluca “por si le ofrecían algún ministerio”. Había nacido “Tato Bores”, el personaje de los monólogos vertiginosos.





Fue el inicio de un clásico de la televisión argentina que se prolongó durante más de treinta años (ver cronología). Por supuesta, años interrumpidos por la censura ejercida, primero por el Onganiato, luego por López Rega y, por último, por Ménem.





Tato Bores renovó absolutamente el lenguaje del humor político. Asistido por los mejores guionistas de cada época, transformó el estilo de los monólogos de Pepe Arias en un torrente frenético y surrealista de escenas imaginarias (y no tanto) entre los personajes del momento.





Justamente, esta forma de recitarlos, a una velocidad increíble, hablaba mucho más de la realidad política del momento que el contenido mismo. La función que el periódico tenía en el humor de Pepe Arias, en Tato lo ocupó el teléfono, uno de los elementos emblemáticos de su personaje.





En los ciclos de Tato, si bien los monólogos eran el eje del programa tienen una importancia innegable su galería de personajes que complementaban y escenificaban sus monólogos. Cómo olvidar a Ricuti, brutísimo, contrafigura de Tato, luego utilizado en las campañas de Terrabusi para su producto “Angelito Negro” y popularizado en todas las escuelas con la frase ‘Ricuti, chiva, chiva...’. O la genial inclusión de Federico Peralta Ramos –el Duchamp argentino– que recitaba sus poesías o letras de rock ante la mirada atónita de Tato.





Ya en los ’80 –con esa renovación absoluta dirigida por sus hijos, productores del programa–, llegaron los patines, la lluvia de papelitos, los teléfonos cada vez más estrambóticos y personajes como los encarnados por Roberto Carnaghi –un funcionario corruptísimo que ilustraba perfectamente la ética gubernamental de aquellos días (por este personaje, Carnaghi ganó el Martín Fierro al mejor actor de reparto)–; o por Grabiela Acher –una mujer embarazada durante años, ya que su hijo no quiere nacer en un país como Argentina (por este personaje gana el premio Martín Fierro como actriz de comedia en TV).





De esta época también son inolvidables, el plato de fideos sobre el final de programa, con que convidaba a sus entrevistados y el champagne con el que brindaba. La escena, en sí, un comentario sobre la “pizza con champagne” del menemismo. Mención aparte merece uno de sus personajes, el arqueólogo Helmut Strasse, investigador de una nación extinguida e incomprensible: la Argentina.





Más allá de la genialidad de la ficción, este personaje quedó en la memoria porque provocó la censura de la jueza federal María Romilda Servini de Cubría. La respuesta del mundo del espectáculo fue inmediata y la censura fue levantada.

Tato Bores, a través del humor, dijo lo que nadie podía o quería decir. La sagacidad de sus comentarios, la crítica sutil que gambeteaba la censura cautivó a los televidentes. Por eso, su desaparición fue sentida y su pérdida fue irreparable. Quien alguna vez se autoproclamó “el actor cómico de la Nación” dejó un vacío imposible de llenar.





Ciclos televisivos: 1957-1960 “Tato y sus monólogos” –Canal 7, libreto de Landrú–, 1961-1963 “Tato, siempre en domingo” –Canal 9, César Bruto–, 1964-1970 “Tato, siempre en domingo” (Canal 11, César Bruto), 1971-1972 “Por siempre Tato” –Canal 11, Jordán de la Cazuela–, 1973 “Dígale sí a Tato” –Canal 13, Jordán de la Cazuela–, 1974 “Déle crédito a Tato” –Canal 13, Aldo Cammarota–, 1978 “Especial de El Mundo del Espectáculo” –Canal 13, Aldo Cammarota–, 1979 “Tato vs. Tato” –Canal 13, Aldo Cammarota y Juan Carlos Mesa–, 1981 “Tato por ciento” –Canal 13, Aldo Cammarota y Juan Carlos Mesa– y 1983 “Extra Tato” –Canal 13, Blotta (h), Abrevaya, Guinzburg, Basurto, Jaunarena y Geno Díaz–, 1984





“Tato, qué bien se TV” –Canal 13, Geno Díaz–, 1985 “Tatus” –Canal 13, Geno Díaz–, 1988 “Tato Diet” –Canal 2, Santiago Varela–, 1989 “Tato al borde de un ataque de nervios” –Canal 13, Santiago Varela–, 1990 “Tato en busca de la vereda del sol” –Canal 13, Santiago Varela–, 1991 “Tato, la leyenda continúa” –Canal 13, Santiago Varela–, 1992 “Tato de América” –Canal 13, Santiago Varela–, 1993 “Good show” –Telefé, Santiago Varela– y 1999 “La Argentina de Tato” –Canal 13, ciclo especial post-morten–.





Filmografía: Un pecado por mes (1949), La comedia inmortal (1951), Camino al crimen (1951), Esta es mi vida (1952), Mala gente (1952), Por cuatro días locos (1953), Casada y señorita (1954), Vida nocturna (1955), Vacaciones en la Argentina (1960), El asalto (1960), Propiedad (1962), El televisor (1962), Viaje de una noche de verano (1965), Disputas en la cama (1972), Departamento compartido (1980) (Tato y El Negro) y Amante para dos (1981).

- PICASSO -

Pablo Picasso





(Pablo Ruiz Picasso, Málaga, 1881 - Moulins, Francia, 1973) Artista español. Hijo del también artista José Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, donde el joven pintor se rodeó de un grupo de artistas y literatos, entre los que cabe citar a los pintores Ramón Casas y Santiago Rusiñol, con quienes acostumbraba reunirse en el bar Els Quatre Gats.





Entre 1901 y 1904 Pablo Picasso alternó su residencia entre Madrid, Barcelona y París, mientras su pintura entró en la etapa denominada período azul, fuertemente influida por el simbolismo. En la primavera de 1904, Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y establecerse en un estudio en las riberas del Sena.





En la capital francesa trabó amistad, entre otros, con los poetas Guillaume Apollinaire y Max Jacob y el dramaturgo André Salmon; entre tanto, su pintura experimentó una nueva evolución, caracterizada por una paleta cromática tendente a los colores tierra y rosa. Al poco de llegar a París entró en contacto con personalidades periféricas del mundillo artístico y bohemio, como los estadounidenses Leo y Gertrude Stein, o el que sería su marchante por siempre, Daniel-Henry Kahnweiler.





Hacia finales de 1906 Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que iba a cambiar el curso del arte del siglo XX: Les demoiselles d'Avignon. En esta obra cumbre confluyeron numerosas influencias, entre las que cabe citar como principales el arte africano e ibérico y elementos tomados del Greco y Cézanne.





Bajo la constante influencia de este último, y en compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión de buena parte de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la representación pictórica del volumen: fue el inicio del cubismo.





A partir de 1909, Picasso y Braque desarrollaron dicho estilo en una primera fase denominada analítica. En 1912 introdujeron un elemento de flexibilidad en forma de recortes de papel y otros materiales directamente aplicados sobre el lienzo, técnica que denominaron collage. La admisión en el exclusivo círculo del cubismo del pintor español Juan Gris desembocó en la etapa sintética de dicho estilo, marcado por una gama cromática más rica y la multiplicidad matérica y referencial.





Entre 1915 y mediados de la década de 1920 Picasso fue abandonando los rigores del cubismo para adentrarse en una nueva etapa figurativista, en el marco de un reencuentro entre clasicismo y el creciente influjo de lo que el artista denominó sus «orígenes mediterráneos».





Casado desde 1919 con la bailarina rusa Olga Koklova y padre ya de un hijo, Paulo, Pablo Picasso empezó a interesarse por la escultura a raíz de su encuentro en 1928 con el artista catalán Julio González; entre ambos introdujeron importantes innovaciones, como el empleo de hierro forjado.





En 1935 nacería una hija, Maya, de una nueva relación sentimental, Marie-Therèse, con quien Pablo Picasso convivió abiertamente a pesar de seguir casado con Olga Koklova; a partir de 1936, ambas debieron compartir al pintor con una tercera mujer, la fotógrafa Dora Maar.





El estallido de la guerra civil española lo empujó a una mayor concienciación política, fruto de la cual es una de sus obras más conocidas, el mural de gran tamaño Gernika. En 1943 conoció a Françoise Gilot, con la que tendría dos hijos, Claude y Paloma. Tres años más tarde Pablo Picasso abandonó París para instalarse en Antibes, donde incorporó la cerámica a sus soportes predilectos.





En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura, que reinterpretó a modo de homenaje. En 1961 Pablo Picasso contrajo segundas nupcias con Jacqueline Roque; sería su última relación sentimental de importancia.





Convertido ya en una leyenda en vida y en el epítome de la vanguardia, el artista y Jacqueline se retiraron al castillo de Vouvenargues, donde el creador continuó trabajando incansablemente hasta el día de su muerte.

- GELBER -

Bruno Gelber




MAESTRO DE PIANO




Bruno Leonardo Gelber es un pianista argentino nacido en Buenos Aires, Argentina en 1941.





De ascendencia austríaca, francesa e italiana, desde su primera infancia vivió el ambiente musical familiar, siendo su padre violinista en la orquesta del Teatro Colón de Buenos Aires y su madre una reputada profesora de piano que influyó mucho en su determinación por seguir la carrera musical y a la que perdió joven, justo al principio de su carrera internacional como pianista.





Gelber empezó a estudiar piano a los tres años y medio, siendo capaz de interpretar sonatas y conciertos desde los cinco años de edad. Fue alumno, desde los seis años y durante una década, de Vincenzo Scaramuzza, que tuvo entre sus discípulos a Marta Argerich, de quien Gelber es coetáneo, y al padre de Daniel Barenboim, entre otros.
Enfermó de poliomielitis a los siete años de edad, teniendo que guardar cama durante más de un año. Sus padres realizaron las adaptaciones oportunas para que pudiera tocar el piano con el menor esfuerzo posible desde la cama.





Debutó en público a los diez años, interpretando el Concierto para Piano nº 3 de Beethoven, bajo la dirección de su maestro. A los catorce años debutó en el Teatro Colón con el concierto para piano de Robert Schumann, bajo la dirección de Lorin Maazel.





Continuó sus estudios de piano en París a partir de los diecinueve años con la célebre pedagoga Marguerite Long -para la que fue, en sus propias palabras, el último pero el mejor de sus alumnos-, gracias a una beca del gobierno francés. Continuó residiendo en la capital francesa hasta finales de los ochenta desde dónde se trasladó a Mónaco. Ha celebrado más de cinco mil conciertos en las más importantes capitales del mundo.





En 1959, tuvo lugar su debut internacional en Múnich, Alemania, que fue un gran éxito, calificado por el crítico Joachim Kaiser como "casi un milagro".
Se le considera un intérprete especialmente competente en el repertorio de Beethoven para piano, habiendo grabado una integral de sus sonatas para este instrumento.





Ha compartido escenario con directores como Ernest Ansermet, Sergiu Celibidache, Rudolf Kempe, George Szell, Kiril Kondrashin, Sir Colin Davis, Bernard Haitink, Riccardo Chailly, Lorin Maazel y Antal Doráti, con las más importantes orquestas del mundo, entre las que pueden citarse la Filarmónica de Berlín, la Filarmónica de Viena, la Filarmónica de Nueva York, la Sinfónica de Chicago, etc. y ha sido invitado por los más importantes festivales musicales del mundo.





Se dice que Arthur Rubinstein confesó al escucharle "me gustaría tocar como él..."[1] y además le seleccionó para participar en la película ‘’L’amour de la vie – Artur Rubinstein’’ que el director François Reichenbach dedicó a Rubinstein.

Un accidente de tráfico sufrido en 2001 le produjo lesiones que pusieron en peligro la funcionalidad de una de su mano derecha. Afortunadamente pudo recuperarse y reanudar su brillante carrera.
La prensa especializada lo destaca como uno de los mejores pianistas de su generación y como uno de los cien mejores del siglo.

Premios y reconocimientos

1961 Tercer premio en el concurso Marguerite Long-Jaques Thibaud.
1989 Premio Konex al mejor pianista argentino de la década.
1999 Premio Konex al mejor pianista argentino de la década.
Comendador de la Orden al Mérito Cultural de Mónaco
2005 Premio Clarín a la Figura de la Música Clásica.
2006 Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires
2007 Condecorado por el Gobierno de Francia como Oficial de las Artes y de las Letras de la República Francesa.





Su discografía ha sido galardonada con premios como el Discophiles francés, el Grand Prix du Disque de l’Academie Charles Cross y el premio de la Academia de París y también ha recibido las más altas calificaciones en las críticas de las revistas Diapasón, Gramophon y Le Monde de la Musique.





Hace pocos días, el la Legislarura porteña, se llevó a cabo el programa especial: “Historias de amor al piano” en diálogo con Cecilia Scalisi, concebido en formato televisivo por el Canal de la Ciudad.
Actualmente el mismo se emite en diferentes horarios.